Tendances guitare des années 2010: Contes électriques
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Tendances guitare des années 2010: Contes électriques | GM Guitare Paris

Les années 2010 ont vu leur part de tribulations dans le monde de la guitare. Mais malgré tous les ennuis et les discussions sur sa disparition, l'industrie de la guitare est restée une force dynamique, avec de nouvelles innovations et de nouvelles réverbérations d'idées séculaires.

Ci-dessous, nous retraçons les échos – certains s'estompent, certains grandissent encore – de la culture de la guitare des années 2010.

Pour en savoir plus sur les tendances de la création musicale de cette décennie, consultez «L'équipement musical le plus influent des années 2010» de Reverb.

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En 2017, le Washington Post a annoncé la "mort lente et secrète de l'électrique à six cordes". Sans surprise, la pièce de Geoff Edgers avait du folk de guitare biz dans une sorte de rotation. Certains ont estimé qu'il résumait un malaise croissant quant à l'avenir de l'instrument. D'autres l'ont trouvé loin de la marque.

Edgers s'est rendu au NAMM et a cité le concessionnaire George Gruhn, qui a déclaré que le nombre croissant de fabricants de guitares exposés tout autour d'eux n'était pas viable sur un marché qui ne se développait pas. Le journaliste a ensuite souligné des problèmes chez Gibson, Fender, PRS et Guitar Center, a noté que les ventes acoustiques avaient dépassé l'électricité et s'est plaint que ce n'était plus comme avant, lorsque les dieux du rock inspiraient les jeunes joueurs.

Fender a déclaré à Edgers que la solution était de garder de nouveaux joueurs, ce que la société avait l'intention d'encourager avec des applications pédagogiques (une idée qui a conduit à Fender Play, Fender Songs, etc.). Gibson lui a dit que la diversification était la voie à suivre. PRS a déclaré qu'une grande guitare se vendra toujours, et Guitar Center a refusé de parler de "finances ou de politique".

Parmi les nombreux critiques de la Publier pièce, Natalie Baker à She Shreds Le magazine a vu deux omissions flagrantes: les ventes de guitares d'occasion ou vintage et le boom des pédales. Les statistiques des ventes ici chez Reverb la soutiennent, montrant que le marché vintage continue d'augmenter en valeur, malgré les avertissements apocalyptiques.

Baker s'est également plaint que le Publier axé sur les joueurs masculins plus âgés comme seule source d'inspiration potentielle pour les nouveaux joueurs. Elle a parlé au service marketing de Fender et a conclu que leurs recherches suggéraient que l'avenir de l'industrie de la guitare était diversifié. Les jeunes arrivants étaient susceptibles de vouloir jouer pour le plaisir plutôt que comme une voie vers le statut de dieu du rock, a déclaré Fender, et étaient probablement moins obsédés par les spécifications. (Vous pouvez en savoir plus sur les réflexions de Fender dans l'interview de Reverb en 2019 avec le PDG de Fender Andy Mooney.)

Edgers a clôturé son long métrage par une visite à une académie de musique en Arizona, où le propriétaire, Phillip McKnight, lui a parlé d'un changement vers 2012 dans le mélange d'étudiants venant aux cours de guitare. Les filles étaient progressivement plus nombreuses que les garçons. McKnight l'a expliqué à Taylor Swift et a nommé l'une de ses vidéos YouTube "Taylor Swift est-il le prochain Eddie Van Halen?" Edgers a déclaré que McKnight ne parlait pas de technique. "Il parlait d'inspirer les jeunes joueurs."

Le problème avec le palissandre

Début 2017, il n'a fallu que cinq lettres pour bouleverser quasiment tous ceux qui achetaient ou vendaient une guitare électrique. CITES. Il s'agit de la Convention sur le commerce international des espèces de faune et de flore sauvages menacées d'extinction. Peut-être que ce devrait être CITESWFF. En fait, cela a rapidement incité des groupes de lettres moins polis.

Le travail de la CITES est de protéger les espèces menacées d'extinction, et le bois de rose s'est avéré représenter le pourcentage le plus élevé de saisies illicites d'animaux sauvages en valeur ces dernières années. De nouvelles exigences, entrées en vigueur le 2 janvier 2017, concernaient l'expédition internationale d'instruments contenant du bois de rose. Le bois de rose du Brésil était déjà protégé par la CITES, mais la nouvelle législation a placé toutes les centaines d'espèces de bois de rose restantes sous une réglementation similaire. La CITES a vraisemblablement décidé que c'était la manière la plus simple et la plus efficace de traiter le problème.

De toute évidence, cela allait affecter beaucoup de guitares. Chaque expédition ou mouvement international d'une guitare utilisant du bois de rose nécessitait au moins un certificat CITES. Cela comprenait des guitares usagées et vintage ainsi que de nouveaux instruments.

Les fabricants et autres vendeurs ont rapidement rencontré des retards lorsqu'ils ont demandé leur certificat, et beaucoup ont trouvé les coûts supplémentaires et les frais d'administration supplémentaires pénibles. Des bois alternatifs ont été recherchés au-delà du bois de rose traditionnel, mais comme Paul Reed Smith l'a dit à Justin Beckner à Guitare ultime: "Je me soucie de savoir si la guitare sonne bien. Si je pensais qu'il y avait un remplacement qui sonnait mieux, je l'utiliserais. Mais je n'ai rien trouvé de mieux."

Les fabricants d'instruments et les groupes industriels se sont réunis, arguant fermement et de manière convaincante que les guitares contenant du bois de rose ne devraient pas être restreintes par la CITES. La quantité de bois de rose utilisée pour fabriquer des instruments était minime par rapport à celle utilisée pour fabriquer des meubles, ont-ils déclaré, et le système a créé une pression inutile pour de nombreuses personnes.

La CITES a écouté et accepté d'exempter les instruments de musique finis, les parties et les accessoires des restrictions sur toutes les essences de bois de rose (sauf le Brésil), à compter du 26 novembre 2019. Inévitablement, tout ne s'est pas produit instantanément, et il reste encore des détails à être travaillé à travers. Mais pour beaucoup, cela a marqué la fin sensible d'un ensemble de règles indésirables et inappropriées.

Attention, vous ne vous étendez pas trop

"Ils vont à 11." Les paroles immortelles de Nigel Tufnel ont été réinterprétées à un moment où la plupart des mecs de métal pensaient qu'une guitare à sept cordes en drop-A était à peu près aussi loin que les choses devraient aller. Certains ont pensé le contraire, cependant, et ont déclaré: "Ceux-ci vont à huit!"

Tosin Abasi explique certaines de ses techniques à portée étendue.

L'idée avait pris racine plus tôt chez les metalheads lorsque Meshuggah a persuadé Nevborn en Suède de leur construire des monstres à huit cordes, mais la notion a atteint une visibilité plus large lorsque le groupe a changé d'allégeance à Ibanez. Il s'en est suivi la signature M8M de Meshuggah, avec son échelle de 29,4 pouces, lancée en 2012, et le FTM33, en quelque sorte comme un Destroyer-meets-Iceman, en 2017. Le TAM100 à huit cordes d'Ibanez pour le puissant Tosin Abasi est apparu en 2013, avec un TAM10 moins cher l'année suivante. Certains maniaques à huit cordes accordent leurs bêtes F-sharp-to-E ou E-to-E, mais il existe des variations personnelles pour atteindre l'oubli tonal broyant.

Les barytons étaient également branchés dans certains cercles, et avec leurs longues longueurs d'échelle étaient quelque chose d'une itération à six cordes des sept et des huit. Ils sont souvent accordés B-to-B ou A-to-A, et des marques telles que Danelectro, ESP, Gretsch, Ibanez, Reverend et Schecter nous ont proposé un ou trois nouveaux baryton.

Ibanez a rejoint le club multi-échelles en 2015 avec le RGIF8BKS à huit cordes aux côtés d'offres antérieures de Novax, Rondo, Ormsby et d'autres. Multiscale était souvent synonyme de frettes à évent, un schéma où les frettes sont inclinées vers l'extérieur depuis le centre de la touche pour améliorer l'intonation, accompagnées d'un chevalet incliné, de micros et d'écrous également. Ces instruments semblent certainement intimidants d'un point de vue conventionnel, mais beaucoup de ceux qui les jouent déclarent qu'ils semblent naturels une fois que vous y êtes. "Ceux-ci vont ailleurs!"

Est-ce un creux, semi ou chambré?

L'électricité avec des corps moins solides était partout. Beaucoup moins que solide était ouvert à l'interprétation, mais le premier mot à la mode était chambré. Habituellement, cela signifiait du bois massif acheminé pour créer un intérieur partiellement évidé, coiffé d'un couvercle solide ou laminé pour compléter la boîte.

Il y avait beaucoup d'exemples attrayants. Frank Brothers avait son modèle Signature natty, avec le dessus et le dos en érable laminé sur un noyau en acajou chambré, tandis que le Fullerblaster S Custom de Johan Gustavsson était un Tele-meets-335 chambré. Pour le modèle "JJ" John Jorgensen, Fret-King a acheminé le corps de l'avant, ce qui a laissé une section centrale minimale, et a ajouté un dessus en aulne avec un trou en F peint, tandis que le RJT60 TL de Revelation était une sorte de Jazzmaster à deux humbuckers chambré avec un vrai trou en F.

Godin visait un petit champ à gauche avec sa première montréalaise, qui comportait un bloc central en épicéa à trois arches que la société a appelé un noyau sculpté «respirant». Pendant ce temps, les modèles Gretsch de l'édifice du Centre ont rassemblé des félicitations. Ils ont été lancés en 2013 dans les lignes régulières de la marque et étendus aux gammes Electromatic et Streamliner. Un bloc d'épinette solide a couru sur toute la longueur du corps, chambré au bout inférieur pour réduire le poids.

Les équipements électriques creux et leurs dérivés ne semblaient pas limités à des types particuliers de joueurs. Lorsque PRS a promu son modèle Hollowbody en 2010, elle a montré des photos de Mike Scott (Justin Timberlake) et Emil Westler (Death), affirmant: "Quand une guitare peut traverser ces extrêmes, vous savez qu'elle doit être spéciale."

À la recherche des feuilles d'or perdues

Si un homme a enclenché la tendance de la feuille d'or, c'est Ry Cooder. Ry a une Strat avec une feuille d'or Teisco au cou, un pick-up que lui a offert David Lindley. Et, sans aucun doute, Ry est connu comme un chien de chasse. Là où les chiens de chasse célèbres mènent, d'autres suivent.

Il y avait deux sources principales des micros originaux de feuille d'or. La première, dans les années 50 et 60, était américaine: la société DeArmond, qui fournissait des marques comme Harmony. L'autre source était japonaise, de sociétés telles que Teisco et Guyatone.

Le nom de la feuille d'or provient d'un maillage fin de couleur or que la plupart des micros d'origine ont sous leurs couvertures métalliques jaunty – bien que quelques-uns soient de couleur argent. Ainsi, alors que la «feuille d'argent» peut parfois s'appliquer, la «feuille d'or» a un meilleur son, même si un terme plus précis pourrait être «vieux micros bon marché». Ils étaient à faible rendement, généralement, et ils pouvaient sembler raisonnablement transparents, souvent avec une bonne portion de saleté. La construction était basique. Certains avaient des aimants caoutchoutés inhabituels, d'autres avaient des alnicos.

Les joueurs ayant une faiblesse pour les merveilles du lo-fi ont commencé à chercher des feuilles d'or vintage, et c'était quelque chose d'un crapshoot, des exemples allant de bruyant et microphonique à tonifier le paradis. Peu à peu, les fabricants de micros ont noté la tendance et ont arrangé les choses avec des versions modernes et plus fiables.

Lollar, Curtis Novak, Mojotone, Schuyler Dean et Arcane faisaient partie des producteurs modernes qui fabriquaient des modèles de rénovation, tandis que certaines des nouvelles unités étaient également apparues sur de nouvelles guitares, par exemple les feuilles d'or de Jason Lollar sur des instruments de Collings, Kauer, Nash et autres.

Cette tendance à redécouvrir les vertus sonores des vieux micros négligés a conduit Danelectro en 2014 à affirmer qu'il avait trouvé un lot «mal placé» de ses rouges à lèvres vénérés. Hou la la! Véritables micros Dan'o des années 50, avec une bonne dose de son bon marché mais génial! Ah, pas exactement. Ceux-ci avaient 15 ans, ce qui a apparemment rendu les camionnettes 1999 éligibles au statut "New Old Stock". L'ambiance vintage se rapproche chaque jour.

Signer ou ne pas signer

Les forums de guitares ont bourdonné d'indignation, d'abus et de perplexité lorsque PRS a annoncé le Silver Sky en 2018, un modèle conçu en collaboration avec John Mayer. «C'est une Stratocaster PRS» résume la version polie et imprimable des effusions en ligne. Ceux qui ont pu jouer réellement la chose étaient beaucoup plus ordonnés et, en général, impressionnés.

Mayer était habitué aux absurdités des médias sociaux et a déclaré que ce n'était pas vraiment les gens qui disaient qu'ils n'aimaient pas la guitare. "Ils ne font que réagir", a-t-il déclaré à Brad Tolinski Guitar World. "J'ai vu la durée de vie des réactions négatives des gens suffisamment pour comprendre ce que cela signifie. Ce que la plupart des gens demandent vraiment, c'est:" Qu'est-ce que c'est? Qu'essayez-vous de faire? " Il vous suffit de traverser la période (où) les gens enregistrent leur confusion et leur dissidence. "

Mayer n'avait pas besoin de son nom à la guitare, car il était heureux de collaborer avec PRS et de créer des instruments qui, comme il le dit, représentaient son point de vue. D'autres artistes ont également commencé à s'éloigner du système traditionnel, abandonnant le schéma où le guitariste met une signature sur l'instrument du luthier. La Gibson Les Paul a commencé tout cela, dans les années 50. Désormais, Internet a permis aux artistes et aux personnalités YouTube de devenir la marque.

C'est peut-être Earl Slick qui a lancé la tendance en s'associant à GuitarFetish en 2014 pour créer des guitares Slick, bien qu'Eddie Van Halen ait travaillé avec Fender pour créer sa propre marque EVH en 2007. Plus récemment, Tosin Abasi a pris la nouvelle voie avec son Abasi Concepts et Zakk Wylde sont allés dans la même direction avec Wylde Audio.

Deux YouTubers qui ont décidé de créer leur propre marque de guitare étaient Ola Englund, qui a lancé Solar Guitars en 2017, et Rob Chapman, qui a créé Chapman Guitars en 2009. Chapman avait publié une vidéo demandant des commentaires sur le type de guitare que ses téléspectateurs voulaient.

"Je n'y pensais pas vraiment", m'a-t-il dit, "mais j'avais trébuché et inventé le design collaboratif dans la guitare. C'est devenu une énorme affaire en ligne, et j'ai fait trois sondages avec différents types de spécifications." Cela a conduit à Chapman Guitars et son premier instrument, le ML-1. Aujourd'hui, Chapman propose une gamme de modèles conçus en collaboration fabriqués en Grande-Bretagne, en Indonésie et en Corée, et l'entreprise vend directement à ses concessionnaires, évitant ainsi les frais généraux d'une opération de distribution. Cela pourrait être la forme des signatures à venir.

Guitare de la décennie

Ai-je mentionné qu'il y avait un prix à remettre? C'est complètement antidémocratique, ce qui semble refléter assez bien les années 2010. Mon prix est pour la guitare de la décennie, et je dis que c'est la Fender Jazzmaster. Il est devenu l'un des designs les plus influents de l'époque – ce qui n'était pas mauvais pour une guitare qui n'avait pas décollé comme Fender aurait pu l'espérer quand elle l'a sorti pour la première fois à la fin des années 50.

Avec d'autres Fender également comme la Jaguar et la Mustang, la Jazzmaster était largement responsable de la tendance de la carrosserie décalée. Décalage? Regardez la guitare en position de jeu. La taille du côté supérieur / grave doit être beaucoup plus avancée que celle du côté inférieur / aigu. C'est compensé. L'idée dérivait de l'intention originale de Fender de viser le Jazzmaster au nom des joueurs de jazz. La conception décalée, disait-il, favorisait "la facilité et la facilité de jouer avec un minimum d'inconfort pour le guitariste". (Spoiler inversé: les jazzers l'ont largement ignoré.)

Les fabricants modernes sont tombés sur eux-mêmes dans leurs efforts pour aller de travers. Vous n'aviez pas à chercher loin. Il y avait Geronimo, le corps d'aulne pointu de Swope, la Mondata de Rivolta, dont le corps en acajou chambré arborait une sculpture allemande et des notes de Firebird, et la réédition par Ibanez de leurs Talmans des années 90. Il y avait le Steelmaster de James Trussart, son corps en bois chambré surmonté d'une plaque d'acier, le glorieux quatre micros Galaxie 4 Deluxe de DiPinto, ou le S.S.Zaftig à chambre f-troué de Bilt, complété par une poupée de type Starcaster. Pas de prix pour ajouter plus à la liste: ils sont partout.

Hier Aujourd'hui Demain

Il n'y a d'autre instant que le présent. Et pour certains fabricants, il n'y a pas de temps comme le passé. Il y avait un fort désir dans les années 2010 de regarder en arrière pour informer le présent, une tendance que tout le monde aimait appeler rétro. C'était clair dès le début de la décennie, quand Eastwood a lancé un concours pour gagner l'une de ses Airline 59 Customs, une guitare inspirée de l'emblématique Airline rouge et blanc de Jack White du milieu des années 60. Presque tout ce que vous aviez à faire était de jouer le coup de langue "Seven Nation Army", annoté utilement sur l'annonce: E E / g E D C B.

Beaucoup plus a suivi. Le 64 de Danelectro est apparu comme un Mosrite, tandis que les Rockets de Probett se vantaient du plus à la mode des mashups, l'hybride Fender-Gibson. Les marques ressuscitées ont fouillé dans leurs propres archives, donnant naissance à des guitares comme Juno d'Harmony. Des marques et des joueurs établis ont également creusé dans d'anciens catalogues, comme lorsque Paul Gilbert a proposé une sorte d'Ibanez Iceman des années 70 inversé, nommant avec esprit le résultat rétro tordu du pompier. Et l'inspiration Telecaster était omniprésente, de Gemini Blues Pro Deluxe de Feiten, avec son chevalet à chargement par le haut et ses doubles humbuckers, à DeTemple's Spirit '52, avec des arrosages subtils de titane et d'ivoire (pas de panique: l'ivoire avait environ 30000 ans) .

La nostalgie se rapprochait de plus en plus, alors qu'une nouvelle génération de joueurs faisait revivre des millésimes autrefois défavorables, notamment les années 70, à la recherche d'une inspiration cool. C'est un processus sans fin. Vient ensuite une nouvelle vague de guitaristes: ils définissent leur propre idée du rétro, et pendant ce temps la vague établie retrousse son nez collectif. Que cela continue longtemps!

Une dernière tendance est que rien ne change beaucoup, si c'est ce que vous voulez. Strats, Teles, 335s, Les Pauls, Ricky 12s, Gretsch 6120s – ils continuent, sous toutes leurs formes mises à jour ou pas si modernes. Mais méfiez-vous. Ce n'est pas parce que les choses ont évolué d'une certaine manière depuis des années que cela continuera toujours.

Annie Clark a conçu un instrument saisissant en 2015 pour son modèle signature, le Ernie Ball Music Man St. Vincent. Le rétro était évident dans le genre de corps ressemblant à un explorateur écrasé, mais c'était une guitare courageuse et intéressante. Dans une vidéo sur le design, Clark l'a mise en contexte. "Vous honorez le passé. Vous prenez connaissance des différentes personnes qui l'ont cultivée et l'ont transmise", a-t-elle déclaré. "Mais vous dites aussi:" Ah, c'est cool, nous allons prendre ça, mais faisons autre chose – découvrons ce qui est dans le futur. ""


A propos de l'auteur: Tony Bacon écrit sur les instruments de musique, les musiciens et la musique. Il est co-fondateur de Backbeat UK et Jawbone Press. Ses livres incluent The Ultimate Guitar Book, Matériel Rock, et Fuzz & Feedback. Tony vit à Bristol, en Angleterre. Plus d'informations sur tonybacon.co.uk.

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